Techniques de composition : partie 1/2


Il n’y a pas de règles absolues en ce qui concerne la façon dont vous devez composer vos photographies. Après tout, qui aime les règles, à part votre vieux directeur d’école ? Il y a cependant, plusieurs lignes directrices que vous pouvez utiliser pour améliorer la composition de vos photos. Dans cet article, décliné en deux parties, je vais énumérer 20 lignes directrices et vous proposer des exemples. Je vais commencer avec les plus élémentaires avant de terminer par les techniques de composition plus avancées.

Qu’est-ce que la «composition» ? La composition se réfère à la façon dont les différents éléments d’une scène sont organisés à l’intérieur du cadre. Comme je l’ai déjà mentionné, ce ne sont pas des règles absolues, mais des lignes directrices. Cela dit, beaucoup d’entre-elles sont utilisées dans l’art depuis des milliers d’années et demeurent à l’origine de compositions plus attrayantes.

Cette première partie vous propose de découvrir dix lignes directrices. Les dix dernières seront abordées dans la deuxième partie de cet article. Commençons avec la technique de composition la plus connue des photographes, je veux parler de la règle des tiers.

#1. La règle des tiers

Je viens de vous dire qu’il n’existe pas de règles strictes en matière de composition et la première chose dont je vous parle se nomme la «règle» des tiers… La règle des tiers est très simple à comprendre. Vous divisez le cadre en 9 rectangles égaux, comme illustré ci-dessous. De nombreux fabricants d’appareils photo ont effectivement inclus la capacité d’afficher cette grille. Consultez le manuel de votre appareil photo pour voir comment activer cette fonctionnalité.

L’idée consiste à placer l’élément important de la scène le long d’une ou de plusieurs lignes ou encore là où elles se croisent (point d’or). Nous avons une tendance naturelle à vouloir placer le sujet principal de nos images dans le milieu du cadre. En le plaçant sur un point d’or, on utilise la règle des tiers qui permet une composition plus attrayante.

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Sur cette photo d’un champ de colza sous un ciel menaçant, remarquez que chaque grande partie de l’image occupe approximativement le tiers de l’image. Cette composition simple est renforcée par le chemin herbeux qui conduit l’oeil vers la maison. En photographie on appelle cela une fuyante. Cette photo n’aurait pas eut le même impact sans cette « fuyante » qui dynamise le premier plan et guide le regard vers la maison.

Comme vous pouvez le constater, le champ de colza n’occupe pas la totalité du tiers inférieur de ma photo. Mais l’esprit de la règle est là et il faut parfois s’accommoder des caprices de la nature…

# 2. La composition centrée et symétrique

Dans l’image ci-dessous, les lignes de fuite se dirigent vers le centre de l’image en créant une symétrie presque parfaite. Maintenant que je vous ai dit de ne jamais placer le sujet au centre du cadre, je vous dis de faire exactement le contraire… Les règles sont parfois faites pour être transgressées.

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L’architecture et les routes font souvent de grands sujets pour des compositions centrées.

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Les scènes contenant des réflexions sont également une excellente occasion d’utiliser la symétrie dans votre composition. Sur cette photo, j’ai joué sur la symétrie pour composer la scène. Remarquez toutefois que le ciel occupe plus de place dans la partie haute de l’image que dans sa réflexion dans l’eau. N’utilisez la symétrie parfaite que pour les photos d’architecture si vous souhaitez conserver un certain dynamisme dans vos images.

# 3. Le premier plan

Le premier plan est toujours très intéressant. C’est une excellente façon d’ajouter de la profondeur à une scène. Les photographies sont en deux dimensions par nature. Le premier plan fait partie des techniques qui offrent à la scène une sensation tridimensionnelle.

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Dans cette photo, les grosses pierres du premier plan ont fourni une parfaite source d’intérêt tout en permettant de donner de la profondeur à l’image. Pour ce rendu, un objectif grand-angle est particulièrement intéressant.

# 4. Le cadre dans le cadre

Le cadre dans le cadre est un autre moyen efficace pour rendre la profondeur d’une scène. Rechercher des éléments tels que des fenêtres, des arcs ou des branches en surplomb pour encadrer la scène. Le «cadre» ne doit pas nécessairement entourer toute la scène pour être efficace.

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Sur la photo ci-dessus prise à Lagrasse (11), j’ai utilisé la voûte pour encadrer la tour de l’abbaye. L’utilisation des paysages vu à travers des arcs est une caractéristique commune de peinture de la Renaissance, un moyen de représenter la profondeur. Comme vous pouvez le voir sur la photo ci-dessus, la rivière contribue également à donner de la profondeur à l’image.

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Un très grand angle peut faciliter considérablement la création d’un cadre dans vos images, comme c’est le cas de pour la photo ci-dessus.

Les cadres ne doivent pas nécessairement être des objets fabriqués par l’homme tels que des arcs ou des fenêtres. La photo ci-dessous en témoigne. Cette fois, ce sont deux arbres qui m’ont servi de cadre. Notez que même si le «cadre» n’entoure pas la totalité de la scène, il contribue encore à l’impression de profondeur.

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L’utilisation d’un « cadre dans le cadre » présente une excellente occasion d’utiliser votre environnement pour être créatif dans vos compositions.

# 5. Les lignes directrices

Les lignes directrices guident le spectateur à travers l’image tout en conduisant le regard vers le sujet. Les chemins, les murs, les taches de lumière, les ombres peuvent être utilisés comme des lignes directrices.

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Sur cette photo du château de Chambord, j’ai utilisé le chemin pour créer des lignes directrices. Ces lignes conduisent le regard du spectateur vers le château. Remarquez également que j’ai utilisé une composition centrée et symétrique.

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Les lignes directrices ne doivent pas nécessairement être droites comme le démontre l’illustration ci-dessus. Les lignes courbes peuvent être des caractéristiques de composition très attractives. Dans ce cas, le passage empierré conduit le regard du spectateur vers la droite du cadre avant de revenir sur la gauche et aborder le pont levis, idéalement placé sur un point d’or. Comme vous pouvez le remarquer cette composition utilise à la fois les lignes directrices et la règle des tiers.

# 6. Diagonales et Triangles

On dit souvent que les triangles et les diagonales ajoutent de la «tension dynamique» à une photo. Qu’entendons-nous par «tension dynamique» ? Ce peut être délicat à expliquer. Regardez comment les lignes horizontales et verticales créent de la stabilité. Si vous voyez une personne debout sur une surface horizontale, elle semble être très stable, sauf si elle sort d’une boite de nuit à 4 heures du matin… Placez maintenant cette même personne sur une surface en pente, elle paraîtra moins stable. Cela crée un certain niveau de tension visuelle. Nous ne sommes pas tellement habitués aux diagonales dans notre vie de tous les jours. Elles suggèrent inconsciemment l’instabilité. L’intégration des triangles et des diagonales dans nos photos peut aider à créer ce sentiment de «tension dynamique».

L’intégration de triangles dans une scène est un très bon moyen d’introduire de la tension dynamique. Les triangles peuvent être des objets en forme de triangle ou de triangles réels. Je vais vous expliquer cela plus en détail dans un instant.

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Cette image représentant l’intérieur d’un magasin utilise beaucoup de triangles dans la scène. Cela est dû à l’utilisation d’un objectif grand-angle qui favorise les déformations et l’apparition de triangles. Lorsque les lignes obliques forment des triangles qui se terminent au même point, ils deviennent des  triangles «implicites». Avoir des diagonales allant dans une direction différente ajoute beaucoup de «tension dynamique» à la scène.

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Dans cette photo prise à Narbonne (11), les triangles et les diagonales implicites créent la tension dynamique. Nous ne sommes pas habitués à voir des bâtiments penchés de la sorte dans notre vie quotidienne. Notre sens de l’équilibre est bouleversé ce qui permet de créer la tension visuelle.

#7. Les motifs répétitifs et textures

Les êtres humains sont naturellement attirés par les motifs répétitifs. Ils sont visuellement attrayants et suggèrent l’harmonie. Les motifs peuvent avoir été créés par l’homme ou par la nature comme le proposent les pétales d’une fleur. L’intégration de ces motifs dans vos photos est toujours une bonne façon de créer une composition agréable.

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Les champs de tournesols, grâce aux sommités fleuries de la plante, offrent des motifs répétitifs et très colorés qui apportent de la gaité à l’image et contribuent à l’impression de profondeur.

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Dans cette seconde photo, j’ai vraiment aimé la texture du sol et le graphisme des pavés formant une pyramide inversée. Cette dernière permet de rééquilibrer l’image. L’ombre transversale du premier plan permet d’enrichir ce dernier en évitant d’offrir une surface trop uniforme.

# 8. Composez avec les ombres ?

Cette fois-ci, il va être question de composer avec les ombres. Les ombres, hébergées dans une photographie, font partie intégrante de celle-ci, c’est pourquoi il est important d’en tenir compte dans la composition de votre image.

Se pose alors une question : l’ombre doit-elle être entière ou tronquée ? Les exemples ci-dessous vont répondre à cette question.

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Cette photographie a été prise dans une salle d’exposition du Festival Visa pour l’Image de Perpignan (Festival International de photojournalisme). La situation présentait une dynamique énorme (différence très importante entre les hautes et basses lumières). J’ai pris le parti d’exposer correctement la partie lumineuse, afin d’obtenir une ombre très contrastée et d’isoler la personne du reste de la salle. J’ai également choisi d’intégrer la totalité de l’ombre dans le cadre afin d’obtenir une composition symétrique (voir la règle numéro 2 ci-dessus).

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Avec un arrière plan ombragé et un couple vêtu de sombre, mon décor était planté. Malgré la présence de trois personnages, le sujet principal de ma photo est parfaitement identifiable pour plusieurs raisons : il se trouve au premier plan et sur une ligne des tiers, il est vêtu de couleurs éclatantes ce qui le distingue par rapport au reste de ma photo, son ombre est plus grande que les autres et complète. La chance, car les bonnes photos en ont parfois besoin, c’est que l’ombre projetée par mon sujet, vient parfaitement s’inscrire entre les deux personnes au second plan.

Retenez donc ceci : lorsque plusieurs personnes figurent sur une photo, il est bon qu’elles ne se trouvent pas sur le même plan. Ainsi, la plus proche du spectateur sera identifiée comme le sujet de la photo, tandis que les autres feront partie du décor. Dans ce cas de figure, il est préférable que l’ombre du sujet principal soit entière.

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Voici un nouvel exemple, mais cette fois avec une ombre tronquée. Cette photo est encore aujourd’hui l’une de mes photos de rue préférées. J’aime ici l’atmosphère de clair-obscur obtenu grâce à une prise de vue en contre-jour.  Une ombre complète aurait orienté la photo vers un style plus graphique que la présence des véhicules à l’arrière plan aurait partiellement gâché. En coupant l’ombre, je me suis servi d’elle comme d’un guide qui conduit le regard du spectateur vers mon sujet : la vieille dame. Dans ce cas les véhicules ne sont plus gênants, ils font simplement partie du décor.

La photo de rue est ainsi, le chasseur d’images doit repérer les scènes susceptibles de produire de belles photos, analyser rapidement la situation afin de décider du meilleur cadrage et déclencher. La photo de rue est bien plus qu’un instantané, c’est le reflet de l’émotion ressentie par le photographe lors d’un instant fugace.

# 9. Remplissez le cadre

Le remplissage du cadre avec votre sujet peut être très efficace dans certaines situations. Il aide le spectateur à se concentrer complètement sur le sujet principal sans offrir aucune distraction à son regard. Il permet également au spectateur d’explorer le sujet en détail, ce qui ne serait pas possible si le sujet photographié se trouvait plus loin. Remplir le cadre implique souvent de couper une grande partie de votre sujet. Dans de nombreux cas, cela peut conduire à une composition très originale et intéressante.

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Ile d'oléron 2014

#10. Videz le cadre

Encore une fois, je vais me contredire complètement ! Dans la dernière ligne directrice, je vous ai dit que le remplissage du cadre était un très bon outil de composition. Maintenant, je vais vous dire de faire exactement le contraire, car cela fonctionne aussi. Laisser beaucoup de vide ou de l’espace «négatif» autour de votre sujet peut être très attrayant. Cette méthode provoque un sentiment de simplicité et de minimalisme. Comme pour le remplissage du cadre, cette méthode conduit le spectateur vers le sujet sans le distraire.

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Cette photo prise sur le plateau de l’Aubrac montre un « buron » totalement isolé qui ne dispose que d’un arbre comme compagnon. Ici le cadrage respecte plus ou moins la règle des tiers.

Dans la photographie ci-dessous, j’ai accentué la prépondérance du ciel afin d’isoler encore un peu plus le buron. La simplicité et le minimalisme sont encore plus flagrants dans cette deuxième image qui fonctionne encore mieux. Regardez comme l’image ci-dessous donne un sentiment d’isolement, renforcé par le froid hivernal.

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Voilà, j’en termine avec ce premier opus concernant les techniques de composition et ses lignes directrices. La deuxième partie de cet article vous sera proposée la semaine prochaine.

Comme à votre habitude, si vous avez apprécié cet article, n’hésitez pas à le commenter, le partager, le « rebloguer ». Si ce n’est pas déjà fait, abonnez-vous à ce blog, c’est gratuit et cela permet d’être informé de la parution de chaque nouvel article.

A très bientôt.

Jean-Michel.

 

 

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5 commentaires sur « Techniques de composition : partie 1/2 »

  1. article très synthétique et immédiatement utilisable : je pense me le faire tatouer !!! blague à part, c’est un remarquable pense-bête , et les photos d’illustration montrent clairement l’efficacité de ces conseils. merci Jean Mi.
    signé : un fan modeste…

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  2. Génial la composition est primordiale dans une photo et on l oublie souvent en déclanchant trop rapidement…
    J aime beaucoup les animaux rapprochés…ça c est mon truc!!!!!
    Merci beaucoup pour tes articles bien expliqués…

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  3. Comme toujours, un article très enrichissant.Les photos sont superbes et particulièrement la dernière, l’impression de solitude est évident comme quoi il n’ai nul besoin de « commenter » une image, elle doit parler d’elle même …….

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  4. Article tout à fait intéressant (je le trouve tardivement car absent et attends la suite impatiemment); des règles à la fois simples, parfois contradictoires mais ça fait leur richesse, et superbement illustrées. C’est clair, merci et bravo.

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